SENTIR EL ARTE HASTA LOS HUESOS

Hace un par de semanas concurrí a la apertura de una exposición colectiva de pintura y fotografía en la PD Art Gallery en Gymea, en el área de Sutherland. Allí me encontré con una muestra interesante en la que quiero destacar especialmente la obra de Anita Shirley, quien expone dos cuadros abstractos que sintetizan el estilo que viene trabajando en este momento de su carrera.

Anita ya tiene un Certificate pero continuó sus estudios y está a punto de recibir un Diploma en el Sydney Institute of Visual Arts de St. George, en Kogarah, convencida que la formación es una tarea constante.

Pactamos la realización de un reportaje pero durante la entrevista fueron surgiendo otras disciplinas artísticas que capturan su interés y se vuelven un medio de expresión de su particular talento, como la fotografía o el Video Arte, para el que tiene un interesante proyecto de realización. Al ver una serie de sus fotos, no dudé en elegir una para ilustrar esta nota, subyugado por la fuerza icónica y el manejo de una puesta en escena que convierte a sus tomas en un sugerente ejercicio teatral de múltiples significados. Sus fotos llevan el registro de un estilo que remite a la influencia de la norteamericana Cindy Sherman o del trabajo de los excelentes Mike y Doug Starn, más conocidos como los New York Twins, ya que son hermanos gemelos.

-¿Hacia donde apuntan tus búsquedas estéticas en fotografía?

-Esa representación teatral me resulta más efectiva para contar o mostrar algo que me interesa transmitir o expresar. Me agrada crear el contexto social y político desde el punto de vista de la puesta en escena en un estudio. Mis modelos deben actuar, no como ellos mismos sino como los personajes que yo les pido representar. A su vez, en otro plano, me interesa experimentar tratando de sacar a la fotografía de la pared, llevarla a una tridimensionalidad, igualmente intentarlo con la pintura, siguiendo o buscando un camino que sin lugar a dudas me llevará a lo que suele llamarse “Instalations”.

-Me llamó la atención el manejo simbólico. Toda la serie con el esqueleto, tanto en las que protagonizas, como la que ilustra ésta página, como en las que trabajas con modelos o actores, que implica un juego con elementos conceptuales como la muerte, pero resignificándolos en otros contextos y produciendo asociaciones múltiples que integran valores de otras culturas, como bien puede ser la relación que tienen los mexicanos con la muerte, incorporando dimensiones, distancias, confluencias, simetrías o asimetrías, que a su vez integran un espíritu lúdico muy diferente a lo que pudo ser tu formación en Uruguay o lo que es la cultura australiana.

-Es así, y eso es lo que busco. En éste caso, implicó la expresión de todo un mundo onírico, en esa curiosa y extraña manera de trabajar con lo soñado, expresándolo a través de elementos algo rupturistas.Pero, antes que un simple manejo del efecto visual, intenté vincularlo con elementos más conceptuales. De una cierta forma, también expresa la idea de amar hasta los huesos, que es una linda manera de sentir el amor.

-En cuanto a tu pintura, creo que has ido encontrando un estilo propio que además implica el manejo de un lenguaje pictórico que se expresa fundamentalmente en el uso del color, pero que no olvida las formas. ¿Qué influencias te han marcado o conducido por ese camino?

-Todos recibimos múltiples influencias, lo que implica tener que resolver el tema de encontrar un estilo propio y poder sentirse uno mismo. En mis años de adolescencia y juventud en Montevideo tuve la influencia de los pintores modernos Matisse, Monet, Picasso pero en mis años de estudio aquí, me siento más cercana a la escuela de un Rothko, De Kooning y fundamentalmente de Jackson Pollock.

-Intuyo que te identificas claramente con entender al cuadro y al propio proceso de pintar, de una manera dinámica, con una especial fuerza expresiva de los colores.

-Si, por aquello que decía Georges Braque, que más que percibir lo estático, percibía las relaciones en un cuadro.

-En la obra de un Pollock y su action-painting, la dialectica de forma y color sugiere ese dinamismo en el que las formas surgen de un espacio ilusionista, a menudo caótico, pero en directa complicidad con el espectador, que puede ir encontrando sus propias figuras producto de su individual manejo de espacios contextuales pautados por la configuración estructural que el artista materializó en la obra.

-Exacto. También me ha ha influido el hecho de que practico yoga desde los 18 años, lo mismo que mis lecturas de Jung o mi contacto con lo cristiano y mi interés por el entorno social y la situación de las personas con menos recursos que siempre me ha vinculado al mundo real. Mi punto de contacto con Pollock es que, al principio, libro una batalla con la tela en blanco. A su vez, me baso en los colores de los Chackras.

-¿Sospecho que nada que ver con los colores de nuestras chacras en Uruguay, lo que aquí serían las farms?

-Ja-Ja. Sin duda, nada que ver, sino con los Chackras de la filosofía budista, claro. Los colores de los Chackras son también los del arco iris, pero tienen una relación directa con distintas partes del cuerpo humano. En el proceso de desarrollo de mi pintura los voy utilizando uno a uno, empiezo con el amarillo, luego con el anaranjado, después con el rojo, el verde, el índigo, el violeta hasta completarlos, aunque adhiero el magenta, que identifico como muy femenino, que no forma parte de ese grupo cromático. De esa manera voy llevando un control de la pintura en la que voy y vengo, ya que luego repito la secuencia de la serie en una dialéctica en la que voy formando una composición, tal vez, primero en cuanto al color, aunque el uso del color ya puede ir determinando espacios en los que se prefiguran ciertas formas, tanto por lo que implican en tanto densidad como de texturas. También desarrollo formas que traigo en el subconsciente y a veces utilizo algunas formas de las “runas” que al estar pintando me vienen a la mente y que voy delineando, casi siempre con líneas en un color más oscuro. No el negro, que no está en el arco iris ni en los Chackras, sino un tono color borra de vino muy oscuro.

-Desarrolla un poco más lo de las runas.

-Las runas son un lenguaje de los celtas y se utilizan misticamente para saber el futuro. Yo utilizo, descubro o identifico a través de la pincelada, en el acto de pintar, formas que se emparentan con la simbología de las runas. A la vez, voy pintando simultaneamente dos canvas.

-Tus cuadros suelen ser dípticos o trípticos.

-Si, los pinto simultaneamente pero separados. Es decir, las dos telas que después van a unirse por un borde, no las pinto teniéndolas juntas frente a mí, sino separadas por un espacio desde el cual, cuando estoy pintando sobre una, no veo la otra.

-Confieso que estoy perplejo, nunca se me hubiera ocurrido imaginarlo. ¿Cómo logras esa concordancia y armonía buscada?

-De eso se trata lo dinámico en el proceso de creación y de que, parafraseando a Picasso, no solo se trata de buscar, sino de encontrar.

-La entrevista fue larga y discurrimos por los vericuetos del arte. Me contó del proyecto que está a punto de lanzar creando una galería en un espacio de la Pizzería & Café Danny´s La Bussola, en el 324 de Victoria St. en Darlinghurst, que apuesta a convertirse en un lugar de exhibición de diferentes artistas. Me queda rondando en la memoria y mis adentros, su postura ética y estética, esas palabras tan parecidas, de entrar a la escuela siempre con la idea de no saber nada, en el sentido de humildad, para preguntarlo todo, asimilarlo todo, que puede implicar también discutirlo todo, pero experimentando el arte hasta los huesos.

* Especial para El Diario Español de Australia.

servido por Javier 1 comentario compártelo